比如不改编漫画而是原创动画剧情、只做剧场版不做TV动画、原则上不限制制作时间、制作全程只由一位导演掌控全局、所有的创作人员共同工作不分组、不出周边玩具（一些纪念版手办除外），甚至没有广告赞助商！ ——几乎是把手冢大神当年创造出来的所有商业动画构成元素全盘否定了。 纵观吉卜力的所有作品，除了1995年的《侧耳倾听》是由宫崎爱徒近藤喜文所导演的以外，全部是由高畑勋与宫崎骏二人亲自担任的监制和导演。 整个吉卜力其实就是为了创作高畑与宫崎两人的个人作品而存在的私人作坊而已。
有必要指出的是，只有在提到日本的卡通产业的时候，“动漫产业”这个词才是一种正确的。 正是因为无论这个环节里面的每个部分几乎都是由手冢治虫和他的虫制作公司，最初伴随着他们的《阿童木》同步创建的。 所以这些产业互相之间的利害关系密不可分，形成一种相互牵制的“共生”形态。 而几乎所有其它国家的动画产业与漫画、玩具等产业都是相对独立的，“动画片”就是一种“片子”，远不是像日本这样把动画变成了整体营销中的一部分。 因此说正统的“动漫”这个概念只有日本才有，而创造这个概念的就是日本的动漫之神——手冢治虫（此处应有掌声…）。
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这是小编整理收集的超细致的Q版人物动作pose素材，值得练习哦！ 通过这些参考大家可以有一个很直观的认识，特别是对于初学者来说很有帮助。 [第一种] 全动画卡通风格：为“迪斯尼/皮克斯”为代表的欧美大影视公司，在制作影院级别大片时通常采用的一种卡通风格。 习惯将角色的内在与个性，通过夸张、抽象等手法从外观造型上反映出来。 另外由于多数的表演都是通过大幅度的肢体动作与表情来完成的，所以造型的立体感通常都很强。 前面文章里有提到，继1937年的《白雪公主》之后，迪斯尼在1940年又连续推出了同样风格的《木偶奇遇记》和《幻想曲》两部长片。
- 为了保险起见、以及赢过同行之间的竞争，不必客户时刻提醒，动画公司的高层就已经主动担负起把关的职责了——在日本的动画公司里，制作人拥有绝对的权威，而他们通常都最熟悉市场的要求的人，再通过他们来约束制作团队。
- 但是这种制度的建立从长远来看，实际上比迪斯尼创立的流水线制度更糟糕，对动画的艺术性和独创性方面造成的摧残都要更大、遗害也更深。
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- 虽然在今天看来，这几部片子明显是CN动画向日本式成熟动画转变的试水之作。
因为当年这里还同时居住着藤子不二雄（A&F两人）、石森章太郎、赤冢不二夫等不下十几位元老级的漫画家（当时他们都还是年轻后辈），而这些人几乎全都是冲着可以跟手冢请教才搬过去的。 卡通戴口罩q版 卡通戴口罩q版 可以想象这些日后都各自开宗立派的“师兄弟”们彼此之间风格又能差别有多大呢？ 还有更牛叉的还没讲呢~~~因为接下来我要给大家分析的就是，为什么日式的卡通风格总是要比欧美的卡通要更好看、更讨喜呢？
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吉卜力的这种做法其实属于向手工作坊式的个人精品路线倒退的一种做法，谁都知道大师的手工作品肯定要比量产的要好，但是谁敢把自己的公司开成吉卜力这样？ 连他们自己也说“我们制作一部电影，如果它成功了，就再做下一部。 （现任吉卜力社长 铃木敏夫语）”，这里我要探讨的不是两种模式孰优孰劣的问题，而是这种模式只能是专为少数几乎从不失败的天才们准备的，而注定不可能“拯救”天才们眼中日益堕落的商业动画。 话说回来，即使是叛逆如斯的宫崎老大，在美术风格上也没能真正跳出日式有限动画的大圈子。
且不论商业模式方面他们仅仅是靠海外市场的开拓才能做到洁身自好，而无法真的动摇这个在他们看来与“纯粹而高品质的的动画（宫崎骏语）”相违背的日本传统体系。 只从美术风格来看，这几位大师也只是让自己的个人口味得到了解放，并没有真的让整个团队都能享受到创作的快乐……甚至他们对个性的打压比传统的日本卡通公司做得还要厉害。 卡通戴口罩q版 以吉卜力为例——1971年，因为不满当时的东映动画步“虫制作”的后尘大力发展有限动画，年轻的宫崎骏与高畑勋两人毅然从东映辞职，辗转寻找心中正确的动画之路。 直到1984年两人合作的《风之谷》一炮而红，才促使德间书店出资帮他们建立了“吉卜力工作室”。
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眼睛在Q版角色的臉上佔了很大的比例，好好地運用眼睛來表現角色的個性和情感吧。 這個角色是吊眼還是垂眼、是圓眼睛還是長眼睛、會露出什麼表情，光是眼睛不一樣就會變成完全不同的角色，所以眼睛是最重要的部分。 剛剛也有講到需留意「球體」的感覺，在繪製斜側面的臉部時，要把參考線畫成弧線而非直線。
- 可以推想，当年迪斯尼的《白雪公主与七矮人》不但在艺术程度上远超过蓝猫，而且商业上的成就更加显著。
- 通过这些参考大家可以有一个很直观的认识，特别是对于初学者来说很有帮助。
- 1963年1月1日《阿童木》开始在电视台首播后，收视率就一路直线飙升。
- 把神轎和神明背起來，信徒背著掌管瘟疫的五福大帝，準備繞行半個台灣，希望藉此趕走武漢肺炎疫情，而宮廟為全民祈福，配合防疫 ，方式轉個彎。
- 而动画公司的话家大业大，只要资金一断链立马就关门大吉了，谁敢玩这个帅？
- “没有不值得好好做的游戏，只有不肯好好做的团队”，别小看今天在Iphone、Facebook上的那些小游戏，如果有一天你能做出一款让全世界都赞叹的艺术作品，我相信在这种平台上的几率要远高于XBOX和PS3，不信咱们到时候再瞧。
在這些風格中又再細分不同造型，如3D 卡通風格中便包括了寶寶、皇室、惡棍等造型；而文藝復興風格中又細分為15、18、20世紀油畫。 本来以为稍微写写的文章变成了现在这个篇幅，活活从年前写到年后，连除夕夜都在通宵，整整半个月没干过别的事儿……总之，卡通这玩意儿里头学问大了，绝对不是花拳绣腿那么简单，也不是传统美术的附属品、次等品。 这两年次世代的游戏已经越来越不赚钱啦，低成本的小游戏势头却是越来越猛。 这不是正和当年迪斯尼大规模生产开始落伍、UPA个性产品抬头的那个时代的翻版吗？ 与动画行业一样，只要是大制作的游戏和影视，创作的局限性就大得惊人。
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那么说难道是个湖南人就只会画猫，而且都只会画同一种样子的猫吗？ 其实原因非常简单：最早在长沙只有一家做电视动画的公司，就是三辰影业。 而这个公司则凭借一部蓝猫，在当年一举成为同行业里面的吸金状元（这一点与当年迪斯尼凭借白雪公主一战成名颇为类似）。 一时间，到三辰内部挖人成了这些人的共同目标，挖现役的凑不够人数，就找之前从三辰离职的、受过三辰培训没通过的等等只要曾经跟蓝猫的制作流程沾过边的……当得到这样一群人之后，你还能指望他们做出什么风格的东西来呢？
粗枝大叶惯了的美国观众对于这些来自大洋彼岸的卖萌专家完全没有抵抗能力。 于是接下来毫无悬念的，在美国刮起了一股东方式的“卡哇伊（日语 可爱的意思）”流行风潮（你可以尝试随便找一个美国人问他“卡哇伊”这个词是什么意思，一般十个里面有六个都是知道的）。 于是到了2003年推出《少年泰坦》的时候，认为时机到了的CN正式开始向日式动画风格靠拢——且不提那清一色的杏仁大眼与樱桃小口、戳死人的尖下巴，也不说特意邀请来日本流行乐团Puffy Amiyumi演唱主题曲。 单讲那个早在70年代就被日本动画公司研究并确立起来的“热血男1号 + 神秘女or冷静男2号 + 怪力男 + 萝莉 + 小个子”5人战斗小组狗血模式，就足以令人怀疑这到底是一部美国动画还是日本动画了。 不过后来的事实证明，美国人喜爱日本制造的漂亮宝贝不代表他们自己做出来也会讨人喜欢，当时就有很多美国观众认为此片过于日本化而明确表示反感。 卡通戴口罩q版 所以CN在这之后制作的新动画片（例如2008年的《变形金刚动画版》）里，再没有如此露骨的模仿过日式卡通风格，而是选择了继续把迪斯尼式造型进行简化处理的硬朗美式风格。
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至于其他多数的动画从业人员都不能算是“创作者”而只是“制作者”，除非你的创作方向是更迎合高层整体利益的才行。 我们在介绍手冢治虫先生的时候，通常都只把他当做是日式漫画开宗立派的祖师爷。 殊不知今天的日本动画产业模式同样是由手冢一手缔造的，1958年，日本成功夺得了4年后的东京奥运会主办权。 日本国民为了观看这次举国盛事、以及1959年的明仁皇太子与平民皇后的婚礼盛况，纷纷开始购买电视机。 结果使得60年代初电视机与洗衣机、冰箱一起，作为当时日本人所谓的“三神器”迅速在全国普及开来。
其实沿用至今的“吉卜力式画风”就脱胎于1974年宫崎与高田在Zuiyou工作期间创作的《世界名作剧场》系列电视动画剧集，那种为低成本制作创建的简单恬淡画风到现在宫崎也没有真的摆脱过。 至于押井守，早在1978年他加入“龙之子工作室”、接棒监督《科学小飞侠》时，就已经表现出对“完全真实风格”的偏好。 要知道“龙之子”的创社宗旨就是“把动画拍得像电影一样”，而押井守被尊为“龙之子四天王”之首你觉得这说明什么呢？ 而且也是他首创了唯独日本才有的OVA模式（而OVA就是将低龄观众与非核心玩家排除在外的一种营销手段），因此他搞的是卡通片还是电影你们自己去判断吧！
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虽然在今天看来，这几部片子明显是CN动画向日本式成熟动画转变的试水之作。 不过就当时而言，这些动画作品（包括后来在2001年底推出超人正义联盟系列）之中日式动漫风的味道还不是太重。 尽管我不确定美国人懂不懂什么叫做“萌”，但是毫不疑问他们都被这只黄色闪电小精灵给“萌”到了。 相比美国本土的辛普森一家或是加菲猫那种亲切却也很粗糙、痞气的卡通明星来说，日本的这种瓷娃娃一般的精美风格实在是让人找不到不喜欢它们的理由。
为了筹集巨额的制作费用，手冢不但想出了了前面所说的寻找赞助商的途径，而且还将阿童木的播映权以三亿多日元（大约一集1万美元左右）的价格卖给了美国国家广播公司（NBC）。 与手冢开发出来的这套每一步都商业味十足的整体产销战略相比，不但迪斯尼的那套完全依赖影院票房的大片厂模式毫无胜算，就连HB和CN那种虽然成本低廉但是油水太少、只能在周末播放的搞笑电视动画也只能完败。 以至于连东映也被迫在1964年成立了电视动画制作部，而美式动画的模式则在日本完全绝迹。 结果出现了一个有趣的情况，那就是无论日本的卡通漫画还是影视动画产业，也不管说美术风格、制作工艺还是商业运营和推广模式，其元祖竟然都是手冢治虫一人！ 于是，在别的地方通常只用于哄小孩子吃饭的卡通动画，在日本却奇迹般地发展成为了一条庞大的经济产业链——通常我们习惯把这套模式称之为“动漫产业链”。
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与CN的创作团队只需要面对华纳的高层不同，日本的漫画家和动画团队在创作时会受到来自杂志、电视台、广告商、赞助商甚至玩具厂等来自市场端的层层制约。 而在这里面最早被驯化、驯化程度也最彻底的就是日本的动画公司。 这也不能怪人家，毕竟如果是漫画家的话还好，不肯服软顶多是混的穷困潦倒而已。 而动画公司的话家大业大，只要资金一断链立马就关门大吉了，谁敢玩这个帅？ 为了保险起见、以及赢过同行之间的竞争，不必客户时刻提醒，动画公司的高层就已经主动担负起把关的职责了——在日本的动画公司里，制作人拥有绝对的权威，而他们通常都最熟悉市场的要求的人，再通过他们来约束制作团队。
同样情况的还有大友克洋以及士郎正宗、今敏等人，推崇他们的有很多都是好莱坞的电影大腕。 严格说他们应该是属于熟谙动画表现手法的电影人，至于我们这次讨论的卡通风格，跟这几位的关系其实是不大的。 在初步了解了日式卡通的发展史之后，现在我们再来把视线重新拉回到美国。 时间进入90年代，Cartoon Network频道在看到日本动画这种亲和力十足的新式风格之后，开始考虑是不是该收拾一下之前美国电视动画越搞越癫狂和个人化的势头。 在1992年出品的动画版《蝙蝠侠（Batman the Animated 卡通戴口罩q版 series）》还有1996年推出的动画版《超人（Superman）》中，角色们的身材比例开始变得漂亮而且一致起来。
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