风景画是蒙德里安初期的绘画主题，此时的作品仍旧弥漫着十七世纪荷兰绘画的风格与精神，受到了印象主义、象征主义和表现主义的影响渐渐脱离了海牙画派的表面形式。 在纽约这座五光十色的大都会里，他创作的作品比过去更加明亮，也更加抽像。 《百老汇爵士乐》是Mondrian最为人称道的集大成之作，充满韵律感的色块，四边均无明确的边界，给人一种往四方扩散的动势，这个画面是从生存环境的大乐谱里，撷取出的一块小乐章。
相信对艺术感兴趣的小伙伴们都对下面这幅收藏在芝加哥美术馆，出自艺术大师蒙德里安之手的经典画作——《黄、黑、蓝、红、灰菱形构图》有所熟悉吧？ 它创作于1921年，以灰白色为背景，加上黑线条已经四种简单的色块——黑色、蓝色、柠檬黄、橘红色，其中红黄蓝则是色彩的三原色。 作品整体给人一种“极端抽象”的感觉并且具有和谐轻快的节奏感。 据收藏馆展品目录介绍，自1945年首次展出以来，这幅名为《纽约市一号》的画作可能就一直上下倒置，即画作中靠近画框上部的横向彩色线条较稀疏，而靠近画框底部的线条则较密集。 然而，在为蒙德里安工作室拍摄的一张照片中，这幅画的放置方向却相反。
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艺术也应摒弃各种表现形式，拆解成最基本的形态，回归到最根本的理念。 相信大家都会看过蒙德里安（Piet 宏盛蒙德里安相片 Mondrian）的格子画，可能觉得不明所以，或是觉得就是一些装饰画。 光看蒙德里安的作品，会觉得他是一个极其理性，不食人间烟火的艺术家。 实际上，他的整个艺术生涯都和生活息息相关，并受到现代化城市的启发。
八岁时蒙德里安立志要当画家，家人极力反对，画家收入不稳定啊！ 蒙德里安再三争取并承诺要取得美术教师资格养家糊口，父母才答应让他学习绘画。 宏盛蒙德里安相片 但是蒙德里安拥有教师资格之后，却未曾在教育界服务过，而是在艺术界作出更大的成就。
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这里细长的站立着的人看起来几乎是笼子的一部分，它的手臂水平地像栏杆，它的身体像围栏的垂直支柱一样薄。 在许多行为艺术作品中，观众成了窥视者，尽管并不是所有表演都是壮观的或呈现给观众的。 中国台湾出生的谢德庆在一系列的“一年表演 ”中研究了时间的本质：第一次（1978—2009年），他被单独囚禁在木制笼子里一年，禁止自己说话、阅读、写作、听收音机或看电视。 有预谋的表演作品清晰地表达了复杂的思想，打破了社会禁忌。
但此时的世界局势却并不和谐，因为慕尼黑危机和第二次世界大战的来临，蒙德里安不得不从巴黎搬到了伦敦，又从伦敦搬到了纽约。 因为第一次世界大战爆发，他滞留在荷兰开始研究“绘画中的新造型”。 蒙德里安简化自然形象为色面与线条，色彩也不再作为装饰使用，而是用来协助空间的分隔。 到1919年，蒙德里安开始创作网格构成感的画作，用清晰和规律的艺术表达，呈现宇宙深邃的客观法则。 宏盛蒙德里安相片 三原色的简单结构展现出神秘主义的思维方式，揭示出艺术主观外形变化后隐藏的永恒主题。
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尽管绘画平面被完美连锁在一起，但是巨大、乃至无垠的空间感还得以保留，主要应归功于延伸到画布边缘的矩形。 有悖于许多人的第一印象，蒙德里安的线条和色彩实际上都是手工绘制的。 這項轉變也改變了蒙德里安創作的方向，開啟新造型主義的思考方向。 1903年蒙德里安以「靜物」（Still Life）獲得藝術家會的肯定，堅定他將繪畫當作終生職業意念。 宏盛蒙德里安相片 在他的作品中可以看見嚴謹的構圖和豪放生動的筆觸，兼具現代與古典的優點，在同輩畫家中已漸漸豎立自己的風格。
- 作为印象派与立体主义的进化，蒙德里安认为：“绘画的根本，是以色彩和线条将宇宙万物提炼为可感知的造型。
- 除了工作室照片外，梅耶-布瑟也以一些其他证据论证了这一观点。
- 原因是他的作品《纽约市一号》疑似被颠倒展览了长达77年。
- 如《百老汇爵士乐》，画面节奏取自于长短不同的矩形方块，代表着音响频率的跳动。
- 蒙德里安深受立體派的創作方式所吸引，於是在了解之後開始自我探索，在過程中創作了兩幅〈有薑汁壺的靜物畫〉，成為他奠定自己風格前的關鍵創作。
- 在大多数情况下，黄线与其他颜色的线交叉，但也有一些地方，红色和蓝色的线以一种微妙的方式与黄色相交。
在百年间，很多经典大牌的服装和配饰系列，都与《三原色的构成》和《三原色矩形》等有着无限趋近的相似性，呈现出强烈的蒙德里安风格。 以康定斯基代表的「构成主义」，主张艺术以功能性为基础，去掉不切实际的装饰，纯粹为简单的几何图形构成。 蒙德里安稱自己的風格為「新造型主義」，每一幅看似精準測量過的畫作，其實從未用尺測量。 在這些看似理性的包裝下，藏著蒙德里安對於藝術的熱情，他一直想表達最純粹的美，還有世界萬物的和諧與秩序。 康丁斯基的几何形状之中，似乎尚有迹可寻，可看出所画的事物；蒙德里安则完全放弃了对现实事物的指涉。
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作为20世纪最伟大的抽象艺术大师，蒙德里安以极致的艺术追求，至纯至简的设计风格，不仅启迪了其后所有现代艺术流派，更深刻影响到绘画以外，从时装造型到空间器具的所有设计领域。 | 意外 世界上的抽象画有很多种，除了毕姥爷，堪称Excel小能手的蒙德里安也是常常被提起的，意公子觉得，这个彩色格子专业户，貌似才是实实在在叫人看不懂的迷。 与它们坚决而枯燥的平坦不同， 蒙德里安的绘画是有深度的 。 此后，他已完全不画眼睛看见的实物，而把绘画语言限制在最基本的因素：直线、直角、三原色（红、黄、蓝）和三非原色（白、灰、黑）上，称这种画为新造型主义。 部分问题在于，与蒙德里安早期的大多数作品不同，《纽约城市I》上没有这位艺术家的签名，可能是因为他认为这幅作品还没有完成。 当然，底层的网格也可能是一件被放弃的作品，《绘画I》重新使用了这块画布。
由于蒙德里安在修改他的作品时经常将早期版本完全刮掉或抹去，因此很难确定最初版本的样式。 X射线图像提供了早期画面的元素信息(左)；以粉红色显示在现有作品上（右）。 1920年，蒙德里安甚至坚持不加画框直接展示自己的作品。 他也一度将画框钉在画布侧面使之远离画面，尽可能不对画面视觉产生影响。
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後來蒙德里安終於告別了表象／再現式（representational）的畫作。 結合平面化的技巧，蒙德里安開始畫他最為人知的一系列作品，當中只用了粗幼不一的直橫線條、矩形色塊，與紅黃藍三原色。 纵观蒙德里安一生的艺术追寻，可以感到他一步步地消除有相，将杂乱无章的宇宙包容合一。 1922年巴黎，50岁的蒙德里安已经奠定了风格派大师的艺术地位，利落的板寸头，留着一撮小胡子，这个胡子在巴黎叫copstash，警察须的意思。 正如前文提及的，蒙德里安在1920年底之前都使用细灰色网格线，后来才加宽变黑。 那么《绘画I》底层的灰色细线迹象，反过来支持了《绘画I》的第一稿画于1920年。
而浅黄色的区域最初是浅灰色，后来又被涂成深黄色；红色矩形最初是橙红色，然后被涂成现在的纯红色。 这在显微放大下也得到了证实：黑色线条与蓝色区域部分重叠。 蓝色的区域原本更大，并延续到加宽的黑线下方，从黑线的裂缝中可以瞥见下层的蓝色油漆。 在这幅画如下展出70余年之后，才有业内人士指出，额，这幅画，好像挂反了。
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八歲時蒙德里安立志要當畫家，但是家人認為藝術家是一項不穩定的工作，蒙德里安與父母多次商量之後，他承諾要取得美術教師資格養家餬口，這才讓蒙德里安的父母答應讓他學習繪畫。 二戰期間納粹軍於歐洲肆虐，蒙德里安先是退走倫敦，然後越洋到了紐約。 到埗後，他深深被這躍動的城市震撼，從而畫出《紐約市》（New York City）系列。 至於線條的粗幼，蒙德里安認為幼線條能更快被觀者的視線辨識。
- 出生在荷兰的阿姆尔弗特，曾在海牙、鹿特丹、罗伦、巴黎和伦敦等十多处地方居住作画，晚年移居纽约，大幅度扩展创作领域，对建筑、工艺和设计产生很大影响。
- 光看「宏盛蒙德里安」這個案名就充滿了藝術感，現場銷售人員介紹，這七大棟建築外觀設計是有故事的，靈感來自於荷蘭知名畫家蒙德里安經典「格子畫」系列作品。
- 後來蒙德里安終於告別了表象／再現式（representational）的畫作。
- 1925年9月，蒙德里安为德累斯顿举行的“蒙德里安，曼雷”展重新修改了作品，在《绘画I》和其他三幅画上添加了1925年的日期。
- 数字“21”写在仍然的新鲜颜料上，数字“25”在颜料干后才被写上。
艺术史学者詹森认为，蒙德里安的艺术创作和舞蹈之间有着深厚的关系：“跳舞的时候，现实感官是被放大了的。 这幅《灰色的树》（The Gray Tree）是他作于1912年的作品。 在这幅画中，可以看到树撑满了整个画面，树的枝干几乎全部伸展到画框，仿佛画框把树剪切在它所包围的空间里。 树的个别特征已被全然抹去，我们所见到的，是高度抽象化的图形。 尽管如此，深色的枝干在中性的灰、绿色小碎面中依然显示了蓬勃的生命力。 这是蒙德里安从立体派中获得的新启迪：“克服自然的表现又不违反自然本身的真实”。
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这种网格的结构，显示出中间稠密而四周逐渐疏松的构成秩序。 蒙德里安执着于精准克制，以最纯粹、基础的艺术元素进行创作，打破了杰作的构造规则。 蒙德里安开创的抽象画派和构图塑造了 20 世纪的审美，影响力遍布艺术界和创意产业的每个角落，甚至颠覆了大众对视觉文化的理解。 每幅 宏盛蒙德里安相片 Composition 系列耗时数周，甚至数月方可完成。 收藏馆工作人员尝试据此将画作颠倒过来悬挂，发现视觉效果不仅更具冲击力，也与同系列另一幅作品更一致。 由于创作者蒙德里安已于1944年去世，这幅画真正的放置方向成了不解之谜。
1914年回到荷蘭後第一次世界大戰爆發，蒙德里安留在荷蘭致力於「繪畫中的新造型」，集結許多有志一同的朋友激盪出新造型主義。 《红、黄、蓝构成》是彼埃•蒙德里安，创作于1930年的一幅世界著名油画。 左下方的一小块蓝色，右下方的一点点黄色与四块灰白色有效配合，牢牢控制住红色正方形在画面上的平衡。
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蒙德里安的一张草图，成为《构成NO.6》等油画作品的基础。 蒙德里安早期的具象和立体派作品通常配以深色的传统画框，到了1914年，随着作品越来越抽象，蒙德里安开始寻求新的方式，以减少边框对作品的影响。 他将薄木条钉在画布边缘作为支撑，让画面与画框齐平，避免画框赋予作品深度感。 在一次采访中，蒙德里安声称自己是第一位“将画拿出画框”的艺术家。 蒙德里安的格子画系列是以平面构成为主，这一点我们在圣罗兰设计的蒙德里安裙中也是可以感受到。 裙子的整体款式是时髦、硬朗的A字裙版式，让人看上去潇洒、自信。
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1925年9月，蒙德里安为德累斯顿举行的“蒙德里安，曼雷”展重新修改了作品，在《绘画I》和其他三幅画上添加了1925年的日期。 在放大镜下仔细观察签名，很明显数字“21”被在新鲜的湿油彩上书写，而“25”则是在油彩干了很久才加上的，这证明了1921年，蒙德里安当时认为《绘画I》已经完成了。 数字“21”写在仍然的新鲜颜料上，数字“25”在颜料干后才被写上。 贝耶勒基金会的研究表明，《绘画I》基于铅笔绘制的规则网格。 蒙德里安似乎把自己定位于网格之上——他发展了线性结构，并趋于相对自由的几何结构。